Arte figurativo y arte abstracto, concepto

¿Qué es arte figurativo?

El arte figurativo es el arte a diferencia del arte abstracto, definido como la representación de figuras utilizando imágenes reconocibles para ser entendidas como objetos reconocibles; ya sea en busca de la verdad (realismo artístico) o distorsionándolos de alguna manera: idealizar (idealismo artístico), intensificar sus aspectos (caricatura, expresionismo), o elegir alguna forma de representación (arcaísmo, simbolismo, esquematismo, grandeza, jerarquía, atención al detalle, valioso, feo, etc.).

El modelo representado en una obra de arte figurativa se identifica por su apariencia. El artista puede sostener el modelo frente a él y dejar que pruebe cómo se ve mientras completa la tarea, o puede memorizarlo. Puede hacer parte de su trabajo frente al modelo y luego en su estudio (principalmente pintores y escultores); estar en un cuadro de paisaje) o donde quedarán las obras que estás trabajando (frescos, grabados in situ) lo hacen todo. En el caso de la fotografía, la correspondencia con el objeto representado es el resultado de su técnica. Algo similar se puede lograr con algunas técnicas de escultura.

También puede tener modelos en su estudio, especialmente si se trata de un sujeto pequeño, un cliente de retratos o un “modelo” contratado para posar (el tipo que se usa comúnmente en los estudios de arte según los estándares académicos). acertadamente llamado “Academia”. Hay diferentes géneros de arte figurativo.

Arte más o menos figurativo

Aunque el “arte figurativo” a menudo se compara con el arte visual, ningún “arte” o “forma de arte” es inherentemente más o menos figurativo que el otro; ingrediente icónico. Este componente no se limita a las llamadas bellas artes o artes principales (tradicionales -pintura, escultura y arquitectura- y más recientemente -fotografía, cine o cómic-), sino que también se aplica a las artes decorativas.

Las artes escénicas (mimo, danza, teatro, ópera) cuyas obras se denominan con precisión “representativas” tienen un fuerte componente figurativo, o al menos los propios personajes, especialmente la figura humana con la fuerte fuerza expresiva e indicativa que conlleva. Mundo exterior e interior (expresión corporal).

La música estilizada o descriptiva se define por su capacidad de representación, incluida la reproducción de imágenes. También se aborda la literatura de ficción (según la narrativa tradicional o clásica, que define la literatura de vanguardia).

Dentro de las artes plásticas (“arte formal”), las artes visuales (principalmente la pintura y la escultura) son aquellas artes que incluyen de manera más evidente las representaciones del arte figurativo; aunque la arquitectura también nota rasgos y recursos figurativos utilizados originalmente para las columnas y para la evocación botánica de los materiales de construcción capitalinos o para la concepción analógica de sus formas (Vitruvio ve la arquitectura como un reflejo de la anatomía humana -Vitruvio el humano-, la fachada corresponde a la cara siguiendo un esquema funcional de órganos – el techo es cabello, las ventanas son ojos, las puertas son bocas – los planos de construcción a menudo se hacen con formas reconocibles – especialmente “cruces” – etc.).

Un estilo más o menos imaginativo

Salvo notables excepciones, son más bien “cajas francesas” (Parte del arte prehistórico – Arte esquemático ibérico – Período geométrico de la cerámica griega – Siglos IX-VIII a.C. C.-, arte mayoritariamente islámico -caracterizado por el “anikonismo”-), estilos artísticos que aparecen en la historia del arte hasta el siglo XX, fueron en cierto modo simbólico; el uso del término no era común antes de la invasión del arte abstracto Sexual (porque es innecesario).

Una imagen más o menos realista

Las imágenes pueden ser más o menos realistas. El modelado realista representa la apariencia de objetos, lugares o personas de una manera detallada que intenta imitar sus características, proporciones, colores y texturas. Se habla del surrealimo en sumo grado. Por el contrario, la figuras no realistas presentan imágenes reconocibles, apelan a la imaginación o visión subjetiva propia de los artistas, deforman o estilizan las figuras.

¿Qué es el arte abstracto?

El arte abstracto es un estilo artístico que se caracteriza por la representación de formas y colores no figurativos o que no se adhieren a la representación precisa de la realidad. En lugar de intentar imitar o reproducir objetos o sujetos reconocibles, el arte abstracto se enfoca en la expresión de emociones, ideas y conceptos a través de formas, colores, líneas y texturas.

Historia del arte abstracto

El arte abstracto tuvo sus raíces en el siglo XIX, pero se desarrolló plenamente en el siglo XX. Durante el siglo XIX, los artistas empezaron a cuestionar las convenciones artísticas tradicionales y a explorar nuevas formas de expresión. El impresionismo, por ejemplo, fue un movimiento precursor que enfatizaba la representación de la luz y el color más que la representación precisa de los objetos.

A principios del siglo XX, el cubismo, fundado por Pablo Picasso y Georges Braque, fue un movimiento clave en la evolución hacia el arte abstracto. El cubismo descompuso los objetos en formas geométricas y fragmentadas, desafiando así la representación realista.

En 1910, Wassily Kandinsky, un pintor ruso, es considerado uno de los pioneros del arte abstracto. Kandinsky creía que el arte debía ser una expresión pura y liberarse de la representación figurativa. En sus obras, utilizó formas abstractas y colores intensos para transmitir emociones y espiritualidad.

A mediados del siglo XX, el expresionismo abstracto se convirtió en un movimiento importante en los Estados Unidos. Artistas como Jackson Pollock, Mark Rothko y Willem de Kooning exploraron nuevas técnicas y enfoques para la pintura abstracta, enfatizando la espontaneidad y la expresión emocional.

Grandes artistas del arte abstracto: Wassily Kandinsky: Como mencionado anteriormente, Kandinsky fue uno de los pioneros del arte abstracto y desarrolló una teoría del arte basada en la espiritualidad y la abstracción. Sus obras destacan por sus formas geométricas y uso expresivo del color.

Piet Mondrian: Este pintor holandés es conocido por su estilo neoplasticista, que consiste en la utilización de líneas rectas, colores primarios y formas geométricas simples. Sus obras son representativas de la búsqueda de la armonía y el equilibrio a través de la abstracción.

Kazimir Malevich: Fue un artista ruso conocido por su obra “Cuadrado negro”, que es considerada una de las pinturas más emblemáticas del arte abstracto. Malevich exploró el uso del color y las formas geométricas para expresar una forma de arte puramente abstracta.

Jackson Pollock: Fue un influyente pintor estadounidense asociado con el expresionismo abstracto. Pollock es conocido por su técnica de “dripping”, en la que salpicaba o vertía pintura sobre lienzos extendidos en el suelo, creando composiciones caóticas y llenas de energía.

Mark Rothko: Rothko fue un pintor estadounidense que desarrolló un estilo caracterizado por grandes bloques de color sobre un fondo plano. Sus obras están destinadas a evocar una experiencia emocional y espiritual en el espectador. Utilizaba colores vibrantes yuxtapuestos o tonos suaves y difuminados para crear un efecto de luminosidad y profundidad.

Joan Miró: Este pintor y escultor español fue conocido por su estilo surrealista y su enfoque abstracto. Miró utilizaba formas y figuras abstractas en sus obras, creando un mundo imaginario lleno de símbolos y elementos orgánicos. Su estilo fue una fusión de lo figurativo y lo abstracto, y experimentó con una variedad de técnicas y materiales.

Pietro Consagra: Escultor italiano reconocido por sus obras abstractas en metal. Consagra exploraba la relación entre el espacio y la forma a través de sus esculturas abstractas. Sus obras a menudo presentaban formas geométricas estilizadas y formas abstractas que interactuaban con su entorno.

Estos son solo algunos de los artistas más representativos del arte abstracto, pero hay muchos otros que han dejado su huella en este estilo artístico. A lo largo del siglo XX y hasta la actualidad, el arte abstracto ha seguido evolucionando y diversificándose, ofreciendo un amplio espectro de formas, estilos y expresiones que continúan desafiando las convenciones y estimulando la imaginación del público.

En lo que se refiere solamente a la pintura abstracta esta es una forma de arte que se caracteriza por la ausencia de representación figurativa o reconocible. En lugar de intentar imitar o reproducir objetos o sujetos con precisión, los artistas abstractos se centran en la expresión de emociones, conceptos o ideas a través de formas, colores, líneas y texturas.

Principales características de la pintura abstracta:

No representación figurativa: A diferencia de la pintura tradicional, en la pintura abstracta no se busca la representación realista de objetos o sujetos reconocibles. En su lugar, los artistas se centran en la creación de formas y elementos no figurativos.

Expresión subjetiva: La pintura abstracta es altamente subjetiva, ya que permite al artista expresar emociones, estados de ánimo o ideas personales sin restricciones. Los artistas pueden utilizar formas, colores y texturas para transmitir una experiencia subjetiva única.

Énfasis en la composición: La composición juega un papel fundamental en la pintura abstracta. Los artistas deben considerar cuidadosamente la disposición de las formas, los colores y las líneas en el lienzo para lograr un equilibrio visual y una armonía estética.

Uso del color y la textura: Los artistas abstractos a menudo hacen un uso audaz e innovador del color. Pueden utilizar colores vibrantes y contrastantes para evocar emociones intensas, o tonos suaves y sutiles para crear una sensación de calma y serenidad. Además, la textura también puede ser explorada mediante técnicas de pintura empastada, pinceladas visibles o el uso de materiales no convencionales.

Libertad y experimentación: La pintura abstracta brinda a los artistas una gran libertad para experimentar con materiales, técnicas y formas de expresión. Pueden explorar diferentes enfoques, desde el derrame y salpicaduras de pintura hasta el uso de herramientas no convencionales, permitiendo una expresión artística más libre y personal.

La pintura abstracta ha influido en el desarrollo del arte contemporáneo y ha tenido un impacto significativo en la forma en que se percibe y se interpreta el arte. Ha permitido a los artistas explorar nuevas formas de expresión, desafiando las convenciones artísticas establecidas y ampliando los límites de la creatividad.

A lo largo del tiempo, diversos movimientos y artistas han contribuido a la evolución y diversidad de la pintura abstracta, dejando un legado artístico innovador y provocativo.

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